Caméra à l’œil, Anne-Charlotte Finel arpente les interstices et les zones frontières : entre lumière et obscurité, espaces sauvages et espaces anthropisés, animal et végétal, humain et non-humain, vivant et machine, etc. Jouant de ces lisières, l’exposition Respiro à La Criée centre d’art contemporain propose une expérience visuelle et sonore qui interroge et trouble les contours de nos perceptions et représentations.

Dans Respiro, dont une première version a été présentée à l’automne 2023 au centre d’art de Saint-Fons, Anne-Charlotte Finel déploie, via un ensemble de pièces récentes, un environnement fait d’obscurité et d’éclats de lumière, de mouvements furtifs et pourtant lents, de flous, de détails et de matières. Pour réaliser ses images, au rendu parfois fantasmagorique, l’artiste est munie de sa seule caméra. Aucune mise en scène, juste une captation patiente et attentive du vivant ; une alliance entre l’œil de l’artiste et celui – mécanico-électronique – de son appareil.

À La Criée, l’artiste reconfigure l’espace du centre d’art en trois espaces, structurés par des pans obliques. Chacun plonge le visiteur dans une atmosphère à la fois spécifique et pourtant poreuse à celle des espaces voisins, par un léger effet de propagation. L’ensemble est relié par une bande-son composée par Voiski. Faite de nappes électroniques tantôt abstraites, tantôt naturalistes, celle-ci concourt à renforcer l’impression de décollement du réel.

L’exposition Avaler les cyclones d’Evariste Richer inaugure le nouveau cycle artistique 2023-2025 de La Criée intitulé Festina Lente (hâte-toi lentement). Cet adage emprunté à l’Empereur romain Auguste et aux Médicis dit aujourd’hui l’urgence à (ré)inventer des usages et à prendre le temps de penser des formes d’adaptation, d’alternatives ou de résistances aux crises écologiques et sociétales qui rythment et affectent notre présent.

Avec Avaler les cyclones, Evariste Richer propose à La Criée une expérience sensible qui se déploie dans toutes les dimensions de l’espace du centre d’art. Composée essentiellement d’œuvres inédites, l’exposition est une invitation à penser les liens ramifiés entre ciel et terre, Histoire et mythes, météorologie et imaginaire.

Evariste Richer s’intéresse aux phénomènes naturels, à la météorologie, à la physique ou à la géologie. Partant de l’étude de données scientifiques ou d’outils de mesure, il réalise des œuvres conceptuelles qui procèdent par jeux d’associations d’idées et par rebonds. Ses œuvres, véritables « poèmes visuels », se composent de différents médiums (objets du quotidien et minéraux assemblés, aquarelle, photographies, dessins, etc.) déterminés par le choix de ses sujets. Elles questionnent notre rapport au monde et le vertige qu’il suscite, en jouant des illusions de la perception.

L’exposition est pensée comme une carte météorologique où les œuvres gravitent autour du cyclone et de son énergie en spirale. Elle aborde les questions de dérèglements climatiques, les catastrophes naturelles et l’accélération de notre relation au temps et à l’espace. Le temps présent se décrypte dans les turbulences du ciel (Cyclone, Le monde foudroyé, Apocalypse) et côtoie le temps long, celui de la géologie et de la sédimentation terrestre (Festina Lente, Le noyau du monde, Les promesses).

À l’occasion d’EXPORAMA et en écho à l’exposition Forever Sixties de la collection Pinault, La Criée, le Frac Bretagne et le Musée des beaux-arts présentent Art Is Magic, une exposition rétrospective de l’artiste britannique Jeremy Deller. Héritier du Pop Art, son travail se déploie sous diverses formes : installations, vidéos, affiches, performances ou objets du quotidien, souvent diffusés hors des espaces dédiés à l’art.

La Criée accueille l’installation Warning Graphic Content (Attention ! Contenu graphique / explicite). Celle-ci présente sur des murs colorés, plus d’une centaine d’œuvres imprimées et affiches de Jeremy Deller, réalisées ces trente dernières années. Conçues pour la rue, elles arborent des textes et visuels qui nous interpellent sur l’histoire sociale et politique du Royaume-Uni, la musique depuis les années 1960 ou les légendes de la culture pop, avec un sens poétique de l’absurde.

L’exposition présente également deux vidéos : Beyond the White Walls, un diaporama d’images commentées oralement par Jeremy Deller, où il évoque plusieurs de ses performances menées avec divers collectifs dans des lieux publics en Europe, entre 1995 et 2010. Dans la petite salle, vous pourrez découvrir l’artiste dans son exposition au Modern Institute de Glasgow en 2021. L’artiste commente quelques-unes de ses affiches de l’installation Warning Graphic Content.

Jeremy Deller aime faire des cadeaux aux publics « car ça va à l’encontre de l’idée dominante que l’art soit onéreux et réservé à une certaine élite »*. Des centaines d’affiches de l’artiste sont ainsi accessibles et proposées gratuitement aux visiteur.ses sur site.

* ^{Jeremy Deller, entretien avec Daniel Scott, in Art Is Magic, éd. Frac Bretagne, La Criée centre d’art contemporain, Musée des beaux-arts de Rennes, Rennes, 2023, p. 151}

Grand Air est une exposition de l’artiste suisse Judith Kakon présentée du 4 février au 14 mai 2023 à La Criée centre d’art contemporain.

Judith Kakon expose, juste après les fêtes, une partie des lumières de Noël de la Ville de Rennes. Elles sont présentées en sommeil, c’est-à-dire éteintes et rangées sur des supports en métal. Ces derniers, inspirés des racks de rangement d’entrepôts, sont conçus par l’artiste comme des artefacts entre sculptures et objets utilitaires. Déplacés de leur contexte habituel, les objets du patrimoine urbain nous apparaissent sous un jour nouveau. Ici ce n’est pas l’art qui sort de ses murs pour occuper l’espace public, mais les rues du centre-ville qui s’infiltrent dans l’espace d’exposition. Grand Air floute ainsi les frontières entre réserve et galerie, mais aussi entre l’intérieur et l’extérieur, entre le beau et l’utile.

Judith Kakon présente également une série d’œuvres sur papier qui rendent compte de ses préoccupations : la transformation d’un objet quotidien, d’une forme ou d’un motif standardisé (un parapluie, l’étiquette d’un colis postal, une publicité…) en un objet artistique unique.

Commissariat : Claire Hoffmann et Sophie Kaplan

Invitée dans le cadre de la commande publique de la ligne B du métro (station Gros-Chênes), Isabelle Arthuis projette la création d’une série d’affiches dans l’espace public et une exposition qui inaugurera le nouveau site du Musée des beaux-arts à Maurepas.

Le projet « Fantaisies » propose d’explorer les tableaux du Musée des beaux-arts de Rennes, afin d’identifier des personnages, des décors, des lieux, des objets ou des actions qui constitueront la matière pour réaliser des photographies, à la fois personnelles et collectives avec des groupes d’habitants de Maurepas.

Mime est la quatrième exposition du cycle Lili, la rozell et le marimba (2019-2022) qui interroge les relations entre savoirs populaires, productions locales et création contemporaine.

Mathis Collins expose un ensemble de tableaux en bois rehaussés de couleurs, peuplés de figures qui renvoient à la naissance des arts forains, au conflit historique entre la Comédie-Française et la commedia dell’arte, à l’imagerie des carnavals, des cafés de Montmartre ou des théâtres de rue. Il se met en scène sous les traits caricaturaux d’un artiste policier coiffé d’un bicorne, le chapeau du gendarme comme du Polichinelle au XVIIIe siècle.

Mathis Collins interroge dans sa pratique les valeurs de l’éducation artistique et les signes d’autorité. Il invite son père, Paul Collins, artiste, musicien et enseignant en école d’art, à nouer un dialogue et une collaboration autour d’une nouvelle série de peintures. Ses toiles reproduisent des pages de livres, guides, manuels et revues qui ont marqué sa formation artistique. Paul Collins livre à La Criée un cheminement personnel au sein d’une culture visuelle collective.

Cliquez sur les images pour découvrir les retours de visites (dans les Correspondants), les différentes sources et inspirations des artistes (dans les Ressources) et les propositions d’atelier (dans La Fabrique).

De paroles en paraboles, on se sert, Amadou Sanogo du 26 mai au 30 août 2020

Né en 1977 au Mali, Amadou Sanogo réalise des peintures avec de grandes figures bordées d’aplats colorés ou composés de motifs répétitifs. Sa pratique s’ancre dans la culture traditionnelle de Ségou, tout en étant en prise avec l’actualité et sa vie quotidienne à Bamako.

Dans le cadre de son exposition à La Criée centre d’art contemporain, Amadou Sanogo présente un ensemble de treize toiles grands formats spécialement réalisées pour l’occasion et inspirées de proverbes bambaras. Ces peintures sont l’écho du quotidien de l’artiste, qu’il s’agisse d’interrogations ou événements personnels ou liés à l’actualité sociale, politique, économique et culturelle. Elles sont des paroles de sagesse en images.

Pour préparer ou prolonger votre visite

Les Correspondants : découvrez ici quelques productions d’ateliers et les retours des participants aux jumelages Correspondances.

Les Ressources pédagogiques : pour en savoir plus sur les œuvres, l’artiste et ses sources d’inspirations. Vous trouverez une interview d’Amadou Sanogo, sa biographie, un abécédaire de l’exposition, une bibliographie jeunesse, un livret-jeux à télécharger, un dossier pédagogique « A pieds d’œuvres », une playlist de musiques du Mali, des articles thématiques sur l’histoire du mali, la technique du bogolan, etc.

Pour accéder aux articles, il suffit d’un clic sur les images !

Intitulée LE PLUS TÔT C’EST DEUX JOURS MIEUX, d’après le proverbe breton ’N abretañ ar gwellañ (en français : Le plus tôt c’est toujours mieux), l’exposition de Seulgi Lee à La Criée centre d’art contemporain présente un ensemble d’œuvres nourries de collaborations proches ou lointaines. Elle explore la notion de trope, une figure de style entraînant un changement ou un détournement de sens. L’artiste emprunte la notion de trope à Richard Sennett¹. Définissant l’artisanat au‑delà d’un savoir‑faire spécialisé, le sociologue réévalue la contribution fondamentale de celui‑ci au développement des pratiques, mais aussi des théories humaines. L’approche de Richard Sennett trouve un écho dans l’œuvre de Seulgi Lee, qui «travaille depuis quelques années en étroite collaboration avec des artisans, dans une tentative de rendre visible le lien entre l’artisanat et la culture orale »₂.

Le titre est le premier trope de l’exposition : l’écart de sens est lié ici à une appréhension décalée du proverbe par l’artiste, qui joue avec humour de son rapport d’étrangeté à la langue française. On retrouve également la figure de style dans l’ensemble d’œuvres U, dont six couvertures sont présentées à La Criée. Sur celles-ci, des compositions géométriques sont réalisées dans la technique traditionnelle du Nubi, chacune figure un proverbe très usité en Corée. Deux détournements se produisent simultanément via le traitement imagé de la langue et la puissance symbolique des dessins. Ainsi, dans Même la sandale en paille trouve sa paire, qui veut dire, une âme sœur existe pour chacun·e (짚신도짝 이있다 se lit en coréen, Jip Sin Do Jjak I It Da), on peut effectivement voir deux sandales dans les ovales en tissus colorés de la couverture qui se superposent légèrement.

L’intérêt pour la transmission orale amène Seulgi Lee à s’intéresser à la culture immatérielle des régions françaises à travers leurs répertoires de chansons traditionnelles. Les deux films présentés dans l’exposition en témoignent. Le premier, intitulé DEPATTURE, proche du documentaire, recueille les chants et témoignages de chanteuses et chanteurs du Poitou, animés par leur goût pour le chant autant que par la défense de leur répertoire. Y fait écho la fiction ÎLE AUX FEMMES, tournée cet été dans le Trégor, dans laquelle deux femmes chantent et dansent dans le crépuscule qui s’épaissit.
L’exposition de Seulgi Lee à La Criée floute les frontières et opère à des glissements multiples de l’artisanat à l’art, de la transmission orale à sa fixation, de l’universel au singulier, de l’immémorial passé au fugace contemporain. L’artiste transforme La Criée par la couleur et réunit pour la première fois des couvertures de Tongyeong, des papiers chamans du mont Gyeryong ou de l’île Jéju en Corée, de la vannerie Ixcatèque du Mexique, de la poterie rifaine du Maroc ou des chants des pays de Gargantua, ponctués par deux grands stabiles en métal peint – représentations abstraites et géantes de sexes féminins. Seulgi Lee propose de plier l’espace de La Criée pour ensuite le déplier lentement afin de faire (re)sortir les lumières du crépuscule.
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_{1 – Richard Sennett, Ce que sait la main : La culture de l’artisanat, Albin Michel, 2010
2 – Seulgi Lee, correspondance avec l’anthropologue Pierre Déléage, 17 juillet 2019}

At the Gates met à l’honneur les voix puissantes et singulières d’artistes engagées dans les histoires sociales et la politique de l’intime. Défiant la loi et les institutions, les œuvres se font ici l’écho de la lutte pour l’émancipation des femmes et pour leur droit à disposer de leur corps. La loi Veil de 1975 en France, la révocation historique du huitième amendement de la Constitution et la légalisation de l’avortement en 2018 en Irlande, ainsi que toutes les luttes qui les ont précédées, sont parmi les sources à partir desquelles l’exposition prend corps.

Commissariat

Tessa Giblin, directrice de la Talbot Rice Gallery d’Édimbourg, avec Sophie Kaplan pour l’adaptation à La Criée centre d’art contemporain